2020臺北藝穗節 阮劇團：家族排列

時間：2020.09.04 02:30PM
名稱：2020臺北藝穗節  阮劇團 - 家族排列
地點：剝皮寮歷史街區 147&149號

有時候會很感謝自己會台語，這樣才不會錯過阮劇團的戲啊！ 　　 

《家族排列》是劇作家李屏瑤在第十九屆臺北文學獎劇本類的優等獎作品，講述四個同父異母的姊弟，因為父親的葬禮而初次碰面，並在之後一次次的相遇裡，不僅了解上一代的故事，也像洋蔥一樣一層層卸下心防，彼此分享祕密與情感，重新組成與排列另一種家庭的樣貌。 　　 

阮劇團本周北中南三檔演出齊發，臺北這場是劇團的培訓演員首次到臺北演出，也是首次參與臺北藝穗節，令人備感親切的演前與演後廣宣還配合場地與演出特地錄製 (特別提到了撕觀眾大心)。此次團隊選擇的場地是剝皮寮147&149號，僅使用格局長形的其中一間，兩號相連的通道成為下場的出入口。故事裡的地點不少：告別式現場、一起吃紅葉蛋糕的樓梯間、心情一直跳針的KTV、等待手術的家屬休息室等。台上兩支燈，還有幾張椅子、板凳與可分離的樓梯，透過演員服裝的簡單變換與神情動作，順暢地帶著觀眾前進到下一個空間。如：三名演員坐在椅子上，視線緊盯稍微高一點的地方，大姊神情有些緊張焦躁，嗯，應該就是上一場提到跟手術有關的醫院吧！ 　　 

演出從父親的葬禮開始，所有人的情緒都緊張不安、甚至是嘲諷且帶有敵意的，父母輩的感情事影響了孩子們的相處。有趣的是，演出從其中一位母親的葬禮結束 (剛好上一代全都辭世)，原本同父異母的姊弟們成了姊妹們，感情很好的一起摺著蓮花。雖然還是會為著親人的離去而悲傷哭泣，但已經更能釋懷的討論著多情卻也薄情的父親，甚至開玩笑的猜測兩方母親是很要好的朋友也說不定。家族的定義不再是傳統的父母與小孩，一群相互扶持的同輩血親們也可以是羈絆更深的家人。 　　 

《家族排列》的人物形象鮮明：精明幹練的商務女強人、背負著爸媽遺願的大姊、個性豪爽卻細膩的二姊、有著秘密藏心中的小弟，看似傳統樣板，實質刻劃深刻。四名年輕演員全程台語演出，雖然還是看得出緊張 (肢體跟聲音都暖機了一段時間才鬆一點)，有些字詞咬起來稍嫌卡卡，但不管是前台後台，劇組穩扎穩打地搬完了一台好戲。不確定原著劇本是否一開始就用台語寫成，但改成台語真的很美，演員的台語也很美。

阮劇團 X 日本流山兒★事務所：馬克白

時間：2016.07.30 1:30PM

名稱：阮劇團 X 日本流山兒★事務所  馬克白

地點：嘉義縣表演藝術中心實驗劇場

寫成已400多年的莎劇之所以好看，除了描寫人性深刻入裡，對現代觀眾而言，看導演、編劇與演員如何詮釋經典文本，並從中傳達自身意念與新解，這，才讓人最興奮不已。今年初甫來台的Olivier Py《李爾王》，一句"Ton silence est une machine de geurre" - 你的沉默是一具戰爭機器，把觀眾拉成了帝國頹敗的元凶；Sam Mendes與Simon Russell Beale合作的版本，則以醫學病徵試圖解釋老年李爾的行為反常，為不合理的劇本設定找出口。本以為《奧賽羅》裡的Iago就是個有強烈野心、不惜一切也要往上爬的壞傢伙，但我卻在Nicholas Hytner執導、Rory Kinnear演繹的版本裡，看見了純粹為惡，有著另一種非狡獪心機、而是打從心底反社會的角色樣貌。就連同一個導演，在不同的時間所導的同一個作品，都可以看到詮釋者與導演當下想要告訴觀眾的訊息，如蜷川幸雄相距10年的《哈姆雷特》的挪威王子形象，從早先的挺拔英勇，到後來的瘦弱無力，幽微地說著導演所看到的日本 - 由弱者接收原本強盛的王國。

這檔由台日跨國合製的《馬克白》，於2015年開始計畫，中間經過了劇本翻譯 (日文翻中文，中文再潤成台語)、演員徵選 (臉書還開放直播)，以及密集的六周訓練，終於在2016的炎熱夏日，於嘉義宇宙首演。過往的跨國製作常有融合尷尬的問題，不是導演手法與演員表演方式產生衝突 (Robert Wilson抽掉京劇底蘊，與魏海敏合作《歐蘭朵》)，就是少考慮到當地的語言文化特性 (2011年TIFA的旗艦製作 - 鈴木忠志《茶花女》)。然而，這次的《馬克白》卻沒有這些問題。作品不但保有台語美妙的音韻，放入許多台語特有的用詞與歇後語，更在強力的身體訓練下 (聽說演員都瘦了不少)，讓台灣演員綻放出流山兒式的劇場美學。最重要的，是導演與劇組藉由《馬克白》，提醒並反映現下世界的黑暗，將原本只是探討人性道德的故事，增加了濃厚的反戰意識。

日本流山兒★事務所來台多次，就看過的兩檔作品《義賊☆鼠小僧》與《女人的和平》，不難感受到強烈的劇團風格：生猛有力、有著「啊！一次通通都給你」的豐沛生命力。長年在嘉義打拼的阮劇團，除了越辦規模越大的草草戲劇節外，過去也不乏有台語改編西方文本的演出，以親民常民的戲劇能量深耕地方。雖然一個在日本，一個在台灣，卻在某些理念與作法上有著不謀而合的巧合。

《馬克白》的原著名為《Macbeth》，但在這個版本卻是《Paint it, Black!》。對比整部作品的調性，主角馬克白原是戰功彪炳、忠心耿耿的將軍，卻因為逃不過命運捉弄，說是被女巫的預言糾纏也好，抑或是妻子從旁的施壓也罷，總之是因著外在的環境壓迫，使得馬克白有著被拱上權力王位的無奈與恐懼。過程猶如劇中歌曲〈抹黑〉寫到的，所有的東西都攪在一起加在一起融在一起，最後全部都黑漆漆，全部都抹黑，一代名將因而成了暴虐無道的昏君。此外，這版本增加了女巫的數量，從原先的三女巫，變成了十女巫，讓所有的場景都有象徵厄運與秩序崩毀的女巫存在，如女巫們在戰爭場上游移、一同慶祝與高喊萬歲馬克白、甚至直接是馬克白夫人的侍女等，強化了悲劇氛圍時刻環繞在旁，命運必然會發生的不可逆。角色安排上也有個巧思，讓同一個演員同時飾演馬克白母親與馬克白夫人。這讓視覺上已經強勢的馬克白夫人更加威權 (余品潔比周浚鵬高，長相也比較成熟)，透過設定讓馬克白有了嚴重的戀母情結。

馬克白或許驍勇善戰，但作壞事的能力卻還是幼幼班，極度懦弱與不堪一擊。甚至是死後，鬼魂都還需要母親安慰。這種種的外環影響，不僅凸顯良善高貴的人性可以被環境染黑 (Paint it Black)，更讓人對女性/神靈等他者主導戰爭一事感到悲傷與惆悵。女巫一開頭就唱了：「那個地方有男人也有女人，男人全都在為生死搏鬥，日日夜夜，一天又過一天，時間一直往下走，沒日沒夜地殺來殺去，何時才會回來？」原是馬克白知道夫人逝去後的獨白 ("Tomorrow, and tomorrow, and tomorrow, Creeps in this petty pace from day to day, To the last syllable of recorded time.")，在此轉換成女人/女巫對戰爭的控訴與面對自家男人死亡時不得不吟唱的謳歌。畢竟戰爭過後，男丁死去，留下來扛一輩子的，都是女人呀！對照4月流山兒x樂塾演出的《女人的和平》，令人不禁莞爾一笑：一是玉石俱焚的復仇，一是甜蜜逗趣的和平抗爭，不變的同是反戰的意念。

原著的結尾在馬克白死後，由蘇格蘭國王的長子登基為王。至於女巫預言提到的，班柯 (劇中的陳闊) 會成為國王的父親一事，導演用了極為諷刺的方式表現。馬克白被抹黑變成馬克黑後，仍有一幫份子協助他剷除異己，其中包括一名戴著面具的神秘男子。直到最後馬克黑一派全數陣亡，面具男用著紅繩牽著班柯之子 (劇中的陳文福) 出現，在觀眾面前脫下了面具，短暫地將皇冠往魁儡國王的頭上一戴，隨即丟棄。戰爭的背後總是有著許多不可告人的陰謀論，而當局者永遠都不知道誰是真正綜觀全局且掌握風向的大魔王。戰爭，不過是少數人在手上把玩、等著收割的權力遊戲。

我向來很喜歡流山兒的群戲，調度流暢，畫面華麗大氣，加上滿載的演員動作與情緒，相當震撼。當演員從四面八方衝出來時，觀眾席也會跟著一起震動；還有舞台上舞刀弄槍的鏗鏘作響、揮舞大旗與甩動鞭子的那個風聲與呼嘯聲，哎呀真是讓人看了心情好激動啊 (咬手帕)！可惜的是，馬氏夫婦的火花一直到馬克白登基為王後才出現，一方面是周浚鵬的馬克白還是太年輕，除了聲音偶爾會漏了餡 (本人是個溫和的暖男)，在舞台上的氣勢也不太能讓我信服他是偉大的將軍 (是因為個子比較小隻嗎)；另一方面，余品潔的馬克白夫人在前半段的心機表現太過用力，不甚真實。當馬克白真的成為國王，其脆弱無助、自卑害怕轉自大的形象浮出後，夫婦二人的撞擊與對手戲才精采了起來。

倒是因為《馬克白》，我發現了兩個好亮的演員啊：飾演陳闊的陳盈達與飾演高夫的彭浩秦。(以下是花癡時間) 這不是我第一次看這兩個人的劇場演出，但直到《馬克白》，這兩個人才「登啷」的跳出來。我很喜歡陳闊面對馬克白的穩重，但在聽取女巫預言與國王即位時又有著令人費解的鬼胎 (雖然最後胎死腹中，沒成)。因為不是女人生的，所以可以殺死馬克白的高夫，在下半場有非常吃重的演出：國王次子試探時的困惑不屑到接受、得知家中妻兒慘遭殺害後的怒吼幾乎要凝結周圍空氣，以及最後與馬克白對決時一次次沒真打在臉上但卻可以迸出怒氣的拳頭，彭浩秦不光是能量爆表 (臉上的青筋都要炸了)，情緒上變化也做足做滿。所以，彭浩秦是《馬克白》裡的MVP (灑花)！

演出一開始有個穿著現代的女子說著這世上還存在的戰爭紛擾：沖繩美軍基地、藏人自焚、新疆獨立運動等，說著這些都離你們/我們很遠，都跟你們/我們沒有關係，並在馬克白稱王一場戲又再次拿著大聲公出來重複一次。從導演的臉書上可以看到不少沖繩的抗議新聞，知道這些都是他關注的議題。然而，整齣戲的反戰意識已經充分藉由歌詞、角色塑造與手法編排表達，實在不需要再特地跳脫劇情時空/背景說教，斧鑿痕跡明顯。

開場前與結束後都可以聽到場館內播放的飛機聲，更精確的說，應該是戰機聲，搭配著故事落幕時眾人所唱的歌曲：

「我有一個夢，像鳥兒，亂飛在空中。
我做一個夢，一直飛，越飛越狂亂。
一直飛，飛到半空中，
自由又自在。
滿天飛，如同在夢中，
遙遠的世界。
像鳥兒，亂飛在空中的，
一個夢。」

祈願，沒有人會被迫拿著槍桿子上戰場，也沒有人會被迫顛沛流離，而世界終能和平。

後記......

1. 嘉義縣表演藝術中心雖然交通沒有那麼方便，但真的是個非常不錯的場地，去過的團隊也都說嘉表是個很替團隊著想的優秀館方。對了，場館外頭的荷花池長得又美又好呀！

2. 服裝好好看，妝髮好好看。(請原諒我真的很不會寫設計這一塊...Orz)

3. 我看的是星期六午場，碰到了好多劇場人。除了有台北/高雄代表外，宜蘭/苗栗/台南都有代表。我在想，隨著台中國家歌劇院與衛武營即將開幕運作，大家都會到處跑了吧：哪裡有好作品就往哪裡跑！

2015臺北藝術節 阮劇團：家的妄想

時間：2015.07.31  7:30PM

名稱：2015臺北藝術節  阮劇團  家的妄想

地點：水源劇場

長時間在嘉義深耕的阮劇團，此次應臺北藝術節邀請，與紀錄片導演莊益增合作 (無米樂、牽阮的手)，以2014年莊益增的同名攝影展《家的妄想》為題，進行記錄劇場創作。

我不是學院派的，所以不講記錄劇場 (哈)。阮劇團的《家的妄想》，混雜交錯四個人物的故事 (遊民、離家少女、新住民、祖先靈魂)，以一種破碎卻實在的步伐前進，緩慢、平淡、甚至是有點無聊不討喜的，撿拾拼貼成一幅僅留印痕卻不見血的殘忍印象。故事沒有時間線，因為現象與概念時時刻刻都存在。一個小小的嘉義東石，一個被青壯人口幾近遺忘的沿海偏鄉，卻能層疊架構出現代人各式的孤獨與無奈。

印象最深刻的一場戲，是離家少女在都市的pub唱著「浪跡天涯」，第一次還是悠悠的慢板，第二次則多了電吉他的快板，像是要注入些活力什麼的。然後加進了200公里外，新住民穿著鮮豔的民俗服裝，在剖蚵仔大賽上，拿著鈴鼓熱力跳舞表演的畫面，還有一個跳出影像外的，有點笨拙的演員新住民。一段跳得不怎麼高也不怎麼俐落的舞，突然間讓我的心臟一縮，哀愁與淚水就被擠壓出來了，以一種慢慢擠卻越擠越多的方式。同樣的浪跡天涯，同樣都有著地表的遷徙，但一個是落地後靜止了，一個是還找不著落地處。

飾演新住民的演員余品潔沒什麼離開舞台，大多數時間都坐在舞台上剖蚵仔，跟穿著施工背心到處走動的工人一樣。時間對他們來說沒有太大意義，反正就是一直在那兒從事類似的工作：蚵仔剖好了，就去晾衣服；布幕收好了，就上電視機。離家少女 (詹馥瑄飾) 亦同，每每拉著貼滿旅程標記的行李箱進場，每一次的進場都有著不同顏色的假髮，猶如這一代的我們，離開了家鄉，尋工作追夢想都好，總是在不同的場景切換著不同的面貌。那是一種不得不的重複 (日常的、工作的、生理的、精神的)，但宏觀來看的景觀是一直改變的。

至少時間是持續不停地走的。曾經我很難接受「日子過一天算一天」的說法，總覺那是不負責任、不求上進的消極藉口，生命就是該用力的衝撞與實現。這樣的想法隨著年紀越長，越是消磨不見。對於某些僅剩時間刻度的人來說，平安順利的過完一天就是生命的存在和實踐。同時，自己也因為越來越把異鄉當故鄉，產生了日日強大卻又不得不面對的矛盾感，但我總別過頭去，想著過完這天再討論吧！

肉身會腐爛，建築會頹圮，更別說求一個能永久安穩擺放的地方/空間，「實體的存在」對於時間來說過於渺小不可見。想起我曾在《拉歌》的心得這麼寫著：我從來不認為一定要回到原生之地才能尋根。唯有在實體存在以外的認同自己，好好整理與收納自己，才能找著安身立命之地。收幕時志杰說的家，也許很大一部分不是家庭的家，而是這，左胸鼓動處，心靈平靜處。(註：家，ㄐㄧㄚ，同「這」的台語唸法)

阮劇團：Proof 求證

時間：2011.4.16  7:30PM
地點：牯嶺街小劇場
名稱：阮劇團  Proof 求證

《Proof》的好，大家都知道，這是個再棒不過的劇本了，所以劇團都很愛演它！只不過，在台灣演出《Proof》要有很大的勇氣，除了劇本本身的台詞多到嚇死人，首次在台演出的卡司已為這齣戲立下了高標準：綠光劇團的世界劇場，演員有姚坤君 Catherine、郎祖筠 Claire、羅北安 Robert、樊光耀 Hal。

我總共看過三種《Proof》：綠光國家劇院版、2010六校七系台藝版、好萊塢電影版。 此次阮劇團版本的演員年齡最接近原著 (20~30yrs)，父親 Robert 則找了王友輝老師助陣，詮釋出不同以往版本的粗獷固執，而是另一種帶著陰柔的任性好強與孩子氣。整齣戲只有四個腳色，藉由一道數學證明題，產生出對於親情與愛情的辯證。每個人都試圖證明自己，卻也在證明的算式中，不自覺的傷害到彼此。

或許是因應劇本的數字準確性，開場前的廣播刻意將演出長度與休息時間精準到了「秒」單位。舞台上有一座好似邁入蕭瑟之秋的老屋子，顏色蒼白的很。地上則鋪滿落葉與雜草，一邊擺著一桌二椅，另一邊則有著舊衣架與雜物推車。乍看之下，會覺得屋子很平面，門與牆的區別不大。此外，依照故事的進行，觀眾所看到的舞台上的一切，該是屋子的後院 (因為旁邊還有籬笆圍著)，不過整體營造的空間感，卻讓人在一開始分不太清楚是前院還後院。

之前提到，綠光的《Proof》已經立下了高標準，特別是姚坤君的Catherine，更是個難以超越的經典。因此，當我在看戲時，很自然的就會特別去關注 Catherine這個腳色：這是個帶有神經質，像是刺蝟般的脆弱小女孩，演員詹馥瑄的表現可圈可點，說話的速度快慢、音量大小等，該有的聲音表情都很足夠，一些細項的小動作 (如咬手指、搓手、叉腰、適時的點頭等) 也強化了Catherine的防禦心與不安全感，與王友輝老師對戲起來毫不遜色，是個很值得期待的演員。

相較於自然且氣場強大的Catherine，Claire 與 Ha l的表現明顯弱了點。不管是表情或動作，這個版本的Claire (陳信伶飾) 可謂是非常用力，由於這是寫實劇，在某些地方會讓人覺得稍嫌油與做作。私心認為Claire這腳色是很矛盾的，她沒有在第一線照顧父親，所以覺得愧對Catherine。然而，Catherine遺傳到父親的數學天份，又讓她在某一方面多少有點不平衡心理。這樣的衝突在此次的演出中並不明顯，Claire雖有持續的關心與催促妹妹，卻似乎僅限於表面的言語與動作，少了腳色該有的衝突與溫暖。

阮劇團的《Proof》有兩個 Hal： 崔台鎬與柯辰穎 (OS: 哇~ 女主角可以跟兩個男演員演吻戲耶~我好邪惡 XD)，我看的是崔的版本。或許是崔的花捲頭髮型使然，讓 Hal 這個腳色變得太時髦，讓我看得好不習慣。明明 Hal 的設定比 Catherine 大3歲，在戲裡硬是看起來像個小弟弟 XD。若說Claire的呈現太用力，Hal就是完全相反。Hal 的台詞常常一股腦兒的就跑出來，但卻沒有什麼表情，情緒起伏不明顯。偏偏 Hal 跟氣場強大且放得開的 Catherine 有許多對手戲，當站在一起對戲時，兩者間的對話拋接常有跟不上的情形，MP值的補充速度明顯有落差。

《Proof》的台詞是它的經典所在，尤其是那段證明父親真的瘋了的證明：「讓X等於所有X的質量，X等於寒冷，12月很寒冷。寒冷的月份等於11月到2月......」。除了寒風呼呼吹的音效外，若能將其氣氛營造得再細緻一點會更好，像是燈再朦朧灰暗點、再多些視覺的印象等等，因為這對父親與Catherine來說，是個再也回不去的分界點。(我承認我很龜毛...Orz)

這場演出即將巡迴到劇團的老家─嘉義，雖說演出仍有瑕疵存在，但仍不失為認識這個經典文本的起頭。

P.S.1 關於Claire的連身套裝呀，那個背後的長拉鍊突兀的有點嚇人，如果可以換成隱形拉鍊的話會好很多！(不然感覺很像在穿黑色的人皮 XDDDD)

P.S.2 這場演出的暗燈時間偏長，不知道有沒有機會縮短......